Являясь одним из самых популярных жанров среди зрителей - натюрморт в собрании нашего музея подобран достаточно ярко и интересно. Отношение многих живописцев к изображению неодушевленного предметного мира отличалось глубоким постижением его сути: формы, качеств, смысловых параллелей и, конечно, любованием и зрелищностью. Выставка расширит представление об этом замечательном жанре, а также предоставит прекрасную возможность получить эстетическое удовольствие.
Вот видите!
Вещи надо рубить!
Недаром в их ласках провидел врага я!
А может быть, вещи надо любить?
Может быть, у вещей душа другая?
Владимир Маяковский
Одна из самых больших фондовых выставок Cевастопольского художественного музея этого года, приуроченная к Дню рождения музея, посвящена натюрморту – наиболее сложному и, пожалуй, самому концептуальному жанру изобразительного искусства. Внешне скромный, бессюжетный, лишенный, на первый взгляд, драматических коллизий, этот жанр является одним из самых философских и отражает все многообразие связей человека с миром вещей. Впервые вместе в одном зале соседствуют более 40 произведений западноевропейского и отечественного искусства XVII–XX веков; демонстрируются различные типы натюрморта, но главное, - они прекрасно дополняют общую характеристику жанра, ярко представленного «классическими образцами» в постоянной экспозиции. Цель выставки – показать смысловые и художественные особенности предметной среды в работах "старых мастеров" классической эпохи, ее трансформацию в современном искусстве и вместе с тем, обозначая метаморфозы жанра, помочь зрителю лучше понять и почувствовать время, в которое создавались музейные полотна. В выставочных экспонатах голландских художников П. де Пюттера, Фернандеса, Р.Рёсх, модного французского мастера роскошных цветочных букетов С.-Ж.Симона, К.Пицетту, итальянца Ф.Палицци…, знаменитых русских живописцев И.Ф.Хруцкого, Л.И.Соломаткина, Ю.Ю.Клевера, А.В.Куприна, П.П.Кончаловского, К.С.Петрова-Водкина, крымских и севастопольских авторов Ф.З.Захарова, Г.Я.Брусенцова, Г.А.Арефьева, М.Ф.Чухланцева, П.М.Коломойцева… изображены дары природы (плоды, цветы, рыба, дичь), а также вещи, сделанные руками человека (столовая утварь, вазы, часы и т.д.). Неодушевлённые предметы порой соседствуют с живыми существами – насекомыми, птицами, животными и людьми.
Натюрморт - (франц. nature morte, итал. natura morta, буквально - мёртвая природа; голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still life, буквально - тихая или неподвижная жизнь), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу.
Уже в живописи Древнего мира встречаются натюрморты, включённые в сюжетные композиции. Сохранилось предание о том, что древнегреческий художник Зевксис столь искусно изобразил виноград, что птицы приняли его за настоящий и стали клевать. Однако, как самостоятельный жанр натюрморт сложился в XVII веке и тогда же пережил свой яркий расцвет в творчестве голландских, фламандских, итальянских и французских мастеров.
Фламандцы писали крупные полотна, отличающиеся праздничным многоцветьем, обилием предметов, сложностью, динамизмом композиции, предназначенные для украшения дворцовых залов. Подобный натюрморт выдающегося фламандца Ф.Снейдерса привлекает всеобщее внимание в постоянной экспозиции. В Голландии искусство было, на первый взгляд, не столь эффектно, значительно «строже», «тише», но во многом точнее, так как живописцы скрупулезно изучали материальный мир, для того чтобы лучше использовать его возможности.
В Голландии широкое распространение получили несколько разновидностей натюрморта: «завтраки», «десерты», цветочные, «Vanitas». «Завтраки» и «десерты» были написаны так, что зрителям казалось, будто где-то рядом человек, и он обязательно сейчас вернётся. Вероятно, поэтому в них часто можно увидеть дымящуюся на столе трубку, скомканную салфетку, недопитое вино в бокале, надрезанный лимон, надломленный хлеб … С удовольствием, тщательно и добросовестно художники изображали кухонные принадлежности, вазы с цветами. В это же время популярность приобрели натюрморты на тему бренности жизни и её кратковременных радостей - «Vanitas» («суета сует»), в которых художники призывали помнить об истинных ценностях и позаботиться о спасении души, поэтому любимыми атрибутами в них стали череп и часы.
Для большинства голландских натюрмортов, как и вообще для натюрморта XVII века, характерно присутствие скрытого философского подтекста, сложная христианская символика (лимон был символом умеренности, бокал с виноградным вином или виноградная лоза — символ Христа, намек на таинство причастия, приобщающее христианина к вечной жизни. Помимо антитезы «земное — небесное», «суетное — вечное», один и тот же натюрморт мог прочитываться в морально-назидательном контексте и т.д.). Наряду с этим художники с любовью и восторгом воссоздавали в натюрмортах многообразие мира (переливы шелков и бархата, тяжёлые ковровые скатерти, мерцание серебра, сочные ягоды и благородное вино). Их композиции просты и устойчивы, подчинены диагонали или форме пирамиды. В них всегда выделен главный «герой», например, бокал, кувшин. Мастера тонко выстраивали взаимоотношения между предметами, противопоставляя или, наоборот, сопоставляя их цвет, форму, фактуру поверхности, тщательно выписывая мельчайшие детали. Небольшие по формату, эти картины рассчитаны на пристальное рассматривание, долгое созерцание и постижение их скрытого смысла. При этом один и тот же предмет в разных смысловых контекстах часто имел различное и даже прямо противоположное значение.
Колыбелью натюрморта с рыбами стала Гаага. Близость Голландии к морю располагала художников не только к написанию марин, но и к созданию особого вида натюрмортной живописи — картин с изображением рыб и морских животных. Основоположником «рыбного» натюрморта по праву считают прекрасного мастера Питера де Пюттера («Окуни»).
Во второй половине XVII века вошли в моду цветочные натюрморты. Самой знаменитой и «плодовитой» художницей этого направления была Рахель Рёйсх - представительница известнейшего рода голландских ученых и живописцев. Две, тщательно написанные на темном фоне композиции являются достойным украшением экспозиции и дают возможность рассмотреть характерные особенности этой разновидности жанра.
В начале XIX века в итальянской живописи своеобразно «откликнулось» влияние голландских натюрмортов с битой дичью, их иногда называли «охотничьими трофеями» (Ф.Палицци. «Натюрморт»). Во все времена подобные произведения отражали увлечение зажиточных граждан охотой. Любование дарами природы, пластическая выразительность объемов, традиционная устойчивая композиция, присущие французскому натюрморту, насыщенность и яркость колорита, демонстрирует маленькая работа П.Клаудиуса («Натюрморт с малиной и виноградом», 1884). Приукрашивание домашнего быта, подражание изысканной аристократической культуре вызвали повсеместное распространение такого нового вида натюрмортной живописи, как «роскошные» натюрморты и наибольшее распространение они получили в XIX веке во Франции. Известнейший мастер
С-Ж.Симон, благодаря своим цветочным натюрмортам приобрел международное признание Один из самых любимых его мотивов – розы, которые художник специально выращивал в своем саду. Посвящая полотно Богородице, он специально ввел ее скульптурный образ в цветочные «букеты», тем самым, усилив смысловое звучание. Неизвестный французский живописец того же времени, испытав очевидное влияние С.-Ж. Симона, в своем натюрморте создал своеобразный вариант «Vanitas».
В русском искусстве натюрморт появился только в XVIII веке. Вместе с утверждением светской живописи, художники, стремясь правдиво и точно передать предметный мир, создавали - "обманки". Впоследствии развитие этого жанра в течение значительного времени носило эпизодический характер. Однако в первой половине XIX столетия вновь вспыхнул интерес к «обманкам». Возвращение зрительского интереса к русскому натюрморту в середине века связано с именем И.Ф.Хруцкого – «академика живописи плодов и цветов» («Натюрморт», 1852). Художник не относился к нему как к жанру «низшего порядка», а, соблюдая академические принципы построения композиции и скрупулезно выписывая детали, создавал яркие образы академической натюрмортной живописи – картины-программы.
Во второй половине XIX века в сюжетно-тематических картинах Л.И.Соломаткин, как и другие художники-шестидесятники, а позже – передвижники, частично использовали в своих работах натюрморты, которые имели «подсобное» значение. «Самостоятельность» натюрморта возрастает на рубеже XIX и XX веков в творчестве мастеров «Мира искусства», в импровизационно-стилизованных произведениях тонко обыгрывающих историко-бытовой характер вещей (Е.С.Кругликова). К лучшим образцам следует отнести импрессионистические работы К.А.Коровина, чей блистательный натюрморт «Астры и помидоры» экспонируется в постоянной экспозиции.
Расцвет русского натюрморта приходится на начало XX века. Многие ученики В.А.Серова и К.А.Коровина – учащиеся МУЖВЗ – выбирают «бубнововалетские» «ориентиры». Бунтарские постулаты объединения «Бубновый валет», основанные на открытиях кубизма и футуризма, раскрывая геометрическо-конструктивную сущность предметов окружающей среды, «разбирают» мир на простые первичные элементы (А.В.Куприн. «Натюрморт с сыром», 1910). В более позднем, тоже купринском, натюрморте «Пасхи» (1915) преобладает декоративность, нарядная красочность, демонстрация материальности, осязаемости, плоти предметов. Впоследствии, уже в советское время, эти черты ярко проявятся в работах многих бывших «бубновалетцев» (П.П.Кончаловский. «Яблоки». 1934, А.В.Куприн. «Натюрморт с кувшином». 1933).
В 1920-30-е годы натюрморт обогащается новым содержанием и по-своему отражает новое время. Художник, чье имя пока неизвестно (литеры П.В.), в тематическом «Натюрморте» 1917 года изображает самые обыденные кухонные предметы – «вещи бедных», которые по словам М.Цветаевой, «попросту - души, оттого так чисто горят». Метафорическое, и даже философское осмысление действительности, нашло отражение в «обострённых», пространственно-сложных композициях К.С.Петрова-Водкина, как, например, в маленьком, столь значимом «Натюрморте на зеленом фоне» (1924).
Многих современных крымских и севастопольских живописцев привлекает натюрморт, причем не только как «штудийно-постановочный», и вовсе, не как самый «аполитичный» жанр, ведь ему подвластна даже военная тематика (П.М.Коломойцев. «Фронтовые подснежники», 1971). Интерес к натюрморту молодых художников 70-х - начала 80-х годов обусловили с одной стороны– лиризм, интерес к «тихой жизни предметов» (М.Ф.Чухланцев. «Натюрморт с бумажными корабликами», 1971), с другой - тяготение к повышенной "предметности" изображения, эстетизация окружающего человека мира вещей и их связь с окружающей пейзажной средой (Ф.З.Захаров, Г.А.Арефьев, Г.Я.Брусенцов).
Данная выставка не случайно завершается произведениями двух знаменитых «классиков» - И.Э.Грабаря («Васильки. Июнь», 1937) и Е.С.Зерновой («Огненный натюрморт», 1984), которые, вероятно помогут ответить на интересующий многих вопрос, чем же столько веков привлекают внимание художников и зрителей произведения этого сложного, но интересного жанра.
Л. Смирнова, искусствовед
СМИ о выставке:
ForPost: В Севастополе показали, как выглядит «мёртвая природа»
1-й Севастопольский: В Художественном музее им.М.П.Крошицкого открыта выставка «Западноевропейский и русский натюрморт XVII-XX веков».